浅谈大写意花鸟画创作技巧

在国画创作过程中,所有技法和材料的 运用都要以“得心应手”为原则。只有“得 之于心”,才会有“应之于手”的意匠迹 化。所以,中国画有“心画”之说。而对大 写意花鸟画而言,则有其特有的创作技巧。 

一、用笔。画画与书法不同,但画画 的笔法由书法而来,尤其是大写意花鸟画, 一定要以书法用笔。比如画一个树干,既要 照顾到运笔的速度,又要照顾到墨色的枯湿 对比和运笔方向。画树干有很多方法,方法 越多就越耐看。我们看一幅画好不好,就是 要看它有没有矛盾、冲突、互补。“有来有 去”是最基本的要求——上去、下来,“来 而不往非礼也”,线条才会有力度和节奏的 变化,这种要求贯穿于整个创作过程。运笔 有来有去,就产生了“势”,如画树枝、花 叶、藤萝,一定要有枯湿、浓淡和节奏的变 化。 

此外,画画要忘记顺序,这一点对写意 画十分重要。我们学习画画的时候是有顺序 的,但创作是没有顺序的,否则就会画得机 械,缺少变化。中国画的最高境界,就是画 面的“意外”效果。 

《王者风范》吴冠南

二、用墨。从古至今,中国画用墨都追求“墨分五色”,这是符号性、象征性的讲 法。其实,墨不只有五色。鲁迅先生有“愿 乞画家新意匠,只研朱墨作春山”的妙句。 朱是红色,而从一般描绘春山来讲,似乎用 绿色更合乎情理与常规。中国画创作,向来 以“意”的表达深度为成败标准,所谓“意 足不求颜色似”讲的就是这个道理。水墨与 宣纸的黑白,在画家眼里就是提纯的绚烂七 色。先哲们把纷繁复杂的自然与生命现象, 智慧地归纳为简单的一黑一白、一虚一实, 是最本质的科学总结。由于掌握了对事物本 质认识上的哲理深度,所以用纯黑白表现一 切题材并不显得单调和唐突。当作品具有了 生命力,颜色及一切要素也就包含其中了。 

《枇杷图》清·吴昌硕

在墨的表现性方面,枯与湿之间相互 冲突、对比、破坏,又达到和谐统一。最常 见的就是“湿破枯”,比如画荷叶,先是枯 的,然后用墨色来破,但要留一点,不可全 “破”;另一种方法是“淡破浓”或“浓破 淡”,可以薄一点破,也可以厚一点破;此 外,还有泼墨法。 

三、用色。用色要“脏”,“脏”即 丰富,并非真脏。比如画牡丹,花虽然是红 的,但不可绝对发红。颜色尽量不要调好再 用,否则变化小且单薄。画时先少蘸水,再 把颜色挑到笔尖上来,笔触要有多个方向; 花头要缺掉一块,一是可以透气,二是增加 变化;要有差别和冲突,但是不能过头,否 则就像民间的老虎头鞋——太花。 中国画讲究杂五色,如果花头丰富了, 整幅画就不可杂五色,否则显得凌乱。花头 复杂,叶子则单纯;花头单纯,叶子就要复 杂些;花头用水墨,叶子就不宜用水墨。 

四、构图。构图是有语言的,宋代马远 及近现代吴昌硕、潘天寿都把构图做到了极 致,成为其作品特有的语言符号。马远的方法是专画一个角,所以被称为“马一角”。 潘天寿作画,经常用一块石头占很多画面, 突出形式感,这是潘天寿独特的“符号”。 他把画画叫作造险、破险,在画出石头后, 加些苔点贯气,画面就活了。因此,绘画语 言符号的形成很重要,需要画家用一生的努 力去做好。